“LatinX Pop Now”, Pop Art latinoamericano y la sociedad de consumo

Si bien es cierto que el origen del Pop Art se sitúa en la Gran Bretaña de mediados y finales de la década de 1950, del mismo modo también lo es que fue en Estados Unidos donde se convirtió, a principio de los años 1960, en una tendencia dominante. Una tendencia que, bajo la hegemonía económica y sociocultural estadounidense después de II Guerra Mundial (1939-1945), se globalizó hacia toda la geografía mundial. América Latina no fue la excepción, aunque, como en el resto del mundo, el Pop Art latinoamericano adquirió nuevas temáticas y desarrolló sus propios criterios de lenguaje y también de contenido.

Por ejemplo, en muchas de sus pinturas el Pop Art latinoamericano mantiene las apariencias de las obras gráficas seriadas. Sin embargo, acude más a lo pictórico, menos al lenguaje gráfico, para generar las imágenes. Y en lugar de citar las tiradas del cómic e imágenes televisivas y del cine, muy común en las obras estadounidenses de Warhol y Lichtenstein, entre otros, el Pop Art latinoamericano, en cambio, tiende a incorporar el hombre-masa, del que hablaba Ortega y Gasset. Lo incorpora en entornos urbanos inmersos más en la historia local, como sucede en las pinturas de, entre otros, el argentino Roberto Seguí o el cubano Raúl Martínez o en las instalaciones de la argentina Marta Minujin. Pero este Pop Art en Latinoamérica también, desde el punto vista temático, se hace más incisivo con respecto a las problemáticas políticas y sociales, etnoraciales y religiosas de su contexto inmediato. Por ejemplo, en la brasileña Marcela Cantuaria.

La muestra “LatinX Pop Now”, curada por Marco Caridad, contempla las obras de Daniela Sánchez, Edo, Gian Pablo Polito, r10, Ciro Quintana, Oscar Villalobos y Edel Rodríguez. Para el curador esta muestra “examina críticamente el consumismo a través de las perspectivas de siete influyentes artistas latinoamericanos. La exposición explora la identidad cultural, los hábitos de consumo y su impacto en la sociedad contemporánea”.

Resulta llamativo que buena parte de las piezas tengan un carácter instalativo y también que estén hecha de objetos de la realidad asociados a la producción y el consumo como son los casos por ejemplo de las obras de Daniela Sánchez o Polito. La primera, en ‘Just so Cool’ y ‘Bob Marley / Lion in Zion’, ambas de 2021, presenta chaqueta y botas, ambos objetos de consumo cuyo uso hace su sentido social.

La iconografía de la vestimenta ha sido uno de los motivos iniciales del Pop Art, tanto británico como estadounidense. Pero aquí Daniela Sánchez pone el énfasis en mostrarnos la relación cómplice entre moda, arte y diseño para crear objetos seductores, cuyo uso cobran sentidos añadidos muchas veces distintos al sentido original para el que fueron creados. En su sensualidad retiniana comparten la ansiosa espectacularidad social de la que habla Guy Debord en su libro “La sociedad del espectáculo” (1967).

El espacio público ha sido eclipsado por la representación espectacular en forma de consumo y al ciudadano no le queda muchas más opciones que interactuar con los avatares de sí mismo. Que no son otros que los de las mercancías y el consumo. Para Debord la intensificación del consumismo, su representación seductora socialmente describe “la declinación de ser en tener, y de tener en simplemente parecer”.

La obra de Polito, está formada por cuatro esculturas ‘Nutella Mess’ (2017), ‘Coffee Mess’, (2018), ‘Chocolate Savoy’ (2020) y ‘Cafetera’ (2023). Son esculturas objetuales que nos retrotraen a una especie de ceremonia para tomar café y chocolate. Vincula los objetos y las cosas al espacio hogareño, al ambiente de la privacidad.

Si Daniela Sánchez proyecta su mensaje hacia el exterior, hacia el espacio de la interacción social en su dimensión pública, el espacio de la moda y el mundo de la música, Polito, en cambio, enfoca en su obra el espacio privado para desplegar la percepción del mundo de los afectos que habitan en el hogar. Pero no deja ser una parodia también de los hábitos creados por el consumo en el interior del hogar. La cafetera como si estuviera cayendo, el café derramado, el chocolate derritiéndose, proponen una descripción surrealista de las situaciones, produciendo un extrañamiento sobre los objetos y las mercancías. Es una estrategia similar a la que emplea Oscar Villalobos en la obra ‘Vitrinas tierra móviles’, (2023) estanterías al modo de los supermercados, saturados de productos, donde llama la atención sobre las abultadas cifras de consumo alcohólico y carbohidratos en Latinoamérica.

Por otra parte, están las obras de Ciro Quintana, como los de la serie “La Contemplación de la Primavera”: ‘El síndrome de Estocolmo’ (2024) y ‘The Artist’ (2023). Quintana, recurriendo al género de la historieta, su apariencia de pinturas con bordes desgastados, representa la interacción entre la gigantesca factoría de objetos de consumo producidos por China y el mundo sociocultural latino. La mercancía y su consumo masivo como la nueva mitología de comunicación sociocultural. Pero en Quitana hay, además, una fina ironía porque en realidad lo que está haciendo es burlarse, hay en sus historias un humor que quita seriedad a las situaciones, aunque puedan tener un tono dramático ya que sus historias presentan climas activos, escenarios de movimiento y acción, pero con tono humorístico. Es una de las obras de la exposición que mejor expone cómo los epígonos del Pop Art británico y estadounidense han influido en su recepción latinoamericana.

“LatinX Pop Now”, Mundo Arte Gallery, Miami, 13525. Biscayne Blvd., North Miami Beach. Hasta agosto, 24. Para más info, www.mundoartegallery.com

Dennys Matos es crítico de arte y curador. Especializado en arte latinoamericano. dmatos66@gmail.com